La Sainte Anne de Léonard

J’ai eu le privilège d’aller découvrir en VIP l’exposition que consacre le Louvre au « chef-d’œuvre ultime de Léonard », la Sainte Anne. Le commissaire d’exposition intervenait vers 15h, je suis arrivée un peu avant pour me laisser le choix de l’écouter. A 15h exactement, annonce du début de sa conférence : les journalistes nombreux avec lesquels je partageais ma place devant les dessins se sont précipités pour aller écouter le spécialiste.  Je me suis posé un instant la question de me joindre à la cohue et puis non ! le plaisir de la découverte tranquille - surtout au Louvre, ici désert - l’a emporté. Je n’ai pas regretté de la jouer cavalier seul compte tenu de l’exhaustivité des commentaires qui accompagnaient chaque œuvre.

L’expo propose de retracer le parcours de l’artiste autour de cette œuvre majeure. Vinci a consacré vingt ans de sa vie à cette toile, restée inachevée à sa mort en 1519. Il avait à cœur de traiter cette figure d’Anne, mère de la Vierge Marie qui, c’est à noter, a eu l’incroyable talent de concevoir sa fille Immaculée Conception, tout le monde ne peut pas le faire !! Faisant une entorse à la chronologie puisqu’Anne est censée être morte à la naissance de Jésus, Vinci souhaite rassembler les trois générations dans un même tableau : la grand-mère, la fille, le petit-fils. Me voilà partie dans les méandres de la pensée de Léonard, en quête de perfection. La magie a opéré dès la première salle… Dessins préparatoires, esquisses, croquis, copies par les élèves de son atelier des versions intermédiaires aujourd’hui égarées, c’est toute la genèse du tableau qui est racontée. A la recherche de la diagonale parfaite, Vinci oscille entre plusieurs compositions ; finalement, Anne domine de sa grâce Marie assise sur ses genoux qui elle-même tâche de retenir l’enfant Jésus occupé à jouer avec un agneau, symbole de son futur sacrifice. Le décor qui accueille la scène rassemble les grandes forces vitales de l’univers : un paysage de montagnes et de cieux bleu gris, un sol de roches faisant irruption de la terre. Bien sûr, Anne doit incarner la douceur, la beauté, la protection ; sa posture,  l’arrondi de son visage comme le regard qu’elle porte sur sa fille et Jésus sont maintes fois dessinés, revus, modifiés… La stabilité de l’enfant Jésus retenu par sa mère tient à la position de son pied gauche, en tension ; plusieurs études du peintre illustrent la recherche de cet équilibre ténu.

Quantité de détails sont maintes et maintes fois travaillés par Vinci, signalant qu’à chaque modification, le peintre a conscience de ne pas raconter la même histoire, forme et fond étant inséparables. Ainsi, le soin apporté au drapé du manteau de Marie et plus particulièrement à la forme qu’il prend dans son dos, est révélateur ; on ne voit pas la main d’Anne dans le dos de sa fille mais le plissé du manteau de Marie, selon qu’il est très tendu ou plus relâché, signale la fermeté avec laquelle sa mère la retient. Au fil de sa réflexion, Vinci arrondit finalement ce plissé, Anne n’a pas besoin de retenir fermement Marie, la jeune mère ne pouvant lutter contre la destinée de son fils, né pour mourir en martyr.

Et puis enfin, après avoir suivi le cheminement tout en douceur et en labeur de Vinci, je découvre au fond, comme consacrée, la toile définitive du maître, minutieusement restaurée ces deux dernières années après moult débats au sein de la haute commission de spécialistes de Léonard de Vinci qui craignaient de dénaturer le chef-d’œuvre : le résultat est une splendeur, j’aurais pu contempler cette toile des heures. Un mélange entre inachèvement et science du détail selon les éléments, mais une grâce… je ne vois pas d’autre mot que celui-là, la grâce qui se dégage de ce tableau est bouleversante. Est-ce parce que plus que jamais à l’issue de cette expo, j’avais en tête le travail infini de l’artiste pour parvenir à une telle beauté que je suis si émue ? Ou parce que la palette de couleurs, la perfection des drapés, la sérénité qui se dégage du ciel délavé, la douceur des effets de sfumato sur les visages ombrés, la gravité de ces figures maternelles suffisent à m'émerveiller ? Le génie a ceci de fascinant qu’il n’est accessible qu’en partie ; les copies réalisées par des élèves de Vinci le prouvent, ils disposaient d’exemples parfaits et pourtant leurs toiles ne tutoient jamais la grandeur de leur professeur. Le miracle existe par-delà la technique picturale, une sensibilité propre à Vinci. Bref... une splendeur, je le répète.
        On notera combien l’œuvre a inspiré au fil du temps artistes et intellectuels : Michel-Ange ou Raphaël s'inspireront de la Sainte Anne de Léonard, puis les surréalistes tel Max Ernst revisiteront la légende. Et Sigmund Freud, à votre avis, qu'a-t-il bien pu voir dans ce tableau que nos yeux chastes auraient zappé ? Intrigué par le cas de De Vinci dont la sexualité paraissait inexistante, il verra dans le tableau l'illustration inconsciente du rêve du petit Léonard, narré dans son journal par le peintre lui-même une fois adulte. En effet, l'artiste avait raconté avoir rêvé qu'un vautour l'attaquait dans son berceau et lui fourrait sa queue dans la bouche à la place du sein maternel, ce qui expliquerait l'intérêt tout particulier qu'il porta par la suite à l'étude des oiseaux. Selon Freud, donc, si l'on se concentre sur le drapé bleu de la robe de la Vierge, qu'on isole sa forme du reste de la tenue, et que l'on effectue une très simple rotation du tableau de 45° vers la droite, se détache la forme d'un rapace dont la queue se trouve dans la bouche de l'enfant Jésus, signe on ne peut plus évident de l'homosexualité "platonique" comme il la nomme, du peintre italien.... Ah, fascinant Léonard qui parvenait à maquiller de tels fantasmes enfantins dans une trinité toute religieuse... A chacun de juger de la pertinence de l'analyse freudienne, hein.